สีเป็นภาษาโพลีโฟนิกซึ่งนำศิลปินชาวไนจีเรีย - อเมริกัน วิคเตอร์ เอกปุก (b.1964) และอินเดียน-อเมริกัน Natvar Bhavsar (b.1934) เพื่อสำรวจพื้นที่กว้างใหญ่ของจานสีที่แสดงออกและอิ่มตัวอย่างเข้มข้นเพื่อวาดภูมิศาสตร์ใหม่ในการแสดงคู่ขนานที่ แกลลอรี่ไอคอน .
สามปีหลังจาก a การแสดงเดี่ยวครั้งแรก , เอกปุก นำเสนอใน “ ฉันคือแก่นแท้ของบรรพบุรุษของฉัน ” ภาพวาดและประติมากรรมเหล็กระหว่างปี 2014 ถึง 2022 ทบทวนแนวคิดเรื่องบ้าน การถอนรากถอนโคน และประเพณีที่สร้างสรรค์ขึ้นใหม่ Ekpuk ให้สีหลักแก่ร่างกายและเสียงผ่านจังหวะที่ไร้เดียงสาที่ไร้เดียงสา พวกเขาคำราม; ท้าทาย; และรบกวน Ekpuk ตีความใหม่ในรูปแบบที่ละเอียดอ่อนแต่เป็นภาพกราฟิก nsibidi สัญลักษณ์รูปสัญลักษณ์แบบดั้งเดิมจากไนจีเรียทางใต้และตะวันออกเฉียงใต้ที่เดินทางไปยังเฮติและคิวบาพร้อมกับการค้าทาสในมหาสมุทรแอตแลนติก
น้ำมัน cbd อินทรีย์สำหรับสุนัข
สัญลักษณ์ดังกล่าวอยู่เหนือจิตใจของตัวละคร เช่น ในภาพวาด ปรมาจารย์2 (2021) และ เฮดทูเฮด2 (๒๐๒๒) และประติมากรรม สาวอิบิบิโอ (๒๐๒๒) ซึ่งถ่ายทอดความคิดภายในที่ไม่สามารถแปลได้ ใน Oracle (2014-2022) รูปทรงสีน้ำเงินที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก nsibidi ห่อหุ้มผ้าใบทั้งหมด จำนวนรวมของพวกมันทำให้คุณสมบัติที่แบ่งแยกไม่ได้ ตัวละคร—กึ่งสมมาตรและมีพื้นผิว—ผสมผสานเข้ากับจิตไร้สำนึกส่วนรวมนี้ซึ่งไม่ใช่ทั้งในอดีตและปัจจุบันโดยสมบูรณ์ ใบหน้าของพวกเขาเป็นสัญลักษณ์ของสายตารอบรู้ จิตใจสังเกตเป็นหลัก หน้าที่ของมันคือการมองเห็นสิ่งที่มองเห็นและซ่อนอยู่
ตั้งแต่รากแอฟริกันไปจนถึงภูมิประเทศที่ใกล้ชิดยิ่งขึ้น ชาวอเมริกันคนนี้ (2022) เป็นความพยายามที่น่าประทับใจในการจับภาพสภาพร่างกายของความมืดมิดในสังคมอเมริกันในปัจจุบัน ภาพวาดนี้มีพื้นฐานมาจากภาพร่างก่อนหน้านี้ เรียกว่า ประมุขแห่งรัฐ (2011). เส้นที่คมกริบบ่งบอกถึงความแตกแยก การเผชิญหน้า และความไร้ขอบเขต มีภายในและภายนอก ตัวตนและผู้อื่น ตัวละครที่มีลักษณะเหมือนโทเท็มซึ่งเป็นสัญลักษณ์ประจำงานศิลปะของเอกปุกนั้นสูงตระหง่าน ผมของพวกเขาสร้างโครงร่างของการเฝ้าระวังที่คลุมเครือ หนึ่งสามารถโจมตีผู้อื่นได้ในช่วงพักหรือป้องกันการโจมตีจากภายนอก รูปทรง nsibidi ที่นี่ยังเพิ่มลวดลายและพื้นผิวที่ต้านทานการลบล้าง
“ไม่จำเป็นที่จะพยายามอ่านงานของฉันอย่างแท้จริง สิ่งที่สำคัญกว่าคือการปล่อยให้ตัวเองได้สัมผัสกับงานศิลปะ โดยไม่ต้องแบกรับภาระในการมองหาความหมายในแต่ละจุด” เอกปุกให้สัมภาษณ์ว่า ด้วย Art Breath ในคำศัพท์ส่วนตัวที่เขาได้รับมาจากศิลปะและการเขียน สถาบันสมิ ธ โซเนียนซึ่งปัจจุบันตั้งอยู่ใน DC ผลงานของ Ekpuk ได้ให้ความสำคัญใน Johannesburg Biennial (1995), Dakar Biennial (2014) และ สถาบันโลกอาหรับ (2017) ท่ามกลางสถานที่และคอลเลกชันอื่น ๆ ที่ระบุไว้
ศิลปะบนกระดาษของ Ekpuk ผ่านอะคริลิกบนภาพปะติด เฉลิมฉลองความเป็นผู้หญิงและคุณลักษณะอันศักดิ์สิทธิ์ ผ้าและเครื่องหมายเขาวงกตอื่น ๆ เป็นตัวกำหนดเงาของรูปปั้น เตือนว่า บรอนซ์เบนิน และสิ่งประดิษฐ์ของชนพื้นเมืองอื่นๆ ที่ได้มาโดยมิชอบ ยังคงอยู่ในคอลเล็กชันที่ลามกอนาจาร ซึ่งห่างไกลจากที่ที่พวกเขาอยู่จริง—ที่บ้าน ในชุมชนของพวกเขา ความมั่นใจและการท้าทายของ สาวไลบีเรีย (๒๐๒๒) ตรงกันข้ามกับการจ้องมองที่เศร้าโศกใน เลดี้ในชุดวันอาทิตย์ (2022) และมีระดับของการสูญเสียในทั้งสองภาพ ในอดีต ร่างโทเท็มสีแดงที่ยังไม่เติมจะหลอกหลอนเหมือนความทรงจำอันเจ็บปวด ในขณะที่ส่วนหลังมีเมฆครึ้มของความคิดที่ผิดเพี้ยนไปพร้อม ๆ กัน ทำให้เกิดเงาในวันที่มีแดดจ้า
ในงานดังกล่าว เอกปุกใช้รหัสของภาพบุคคลและไอคอนสีสันสดใสเพื่อประณามมรดกอาณานิคมและความสวยงามที่เรียบง่าย ในฐานะที่เป็นการจุติของดินจิตและบ้านแห่งวัฒนธรรม Totems เป็นพยานที่จำเป็นของอัตลักษณ์ที่ลื่นไหลซึ่งพยายามจับความปรารถนาของสวรรค์และการยอมรับอย่างแน่นหนาของดินแดนและอาณาเขต สีเป็นวิธีการรับรู้และประสบการณ์ทางปรากฏการณ์ดังกล่าวนั้นหาตัวจับยากในผลงานของ Natvar Bhavsar
“ ส่วนที่ III: ผลงานตั้งแต่ปี 2530 ถึง 2548 ” เป็นงวดที่สามของรายการย้อนหลังต่อเนื่องกัน ในการแสดงล่าสุดซึ่งมีภาพวาด 14 ภาพ Bhavsar เล่นกับความไม่มีที่สิ้นสุดของสีทางภาษาซึ่งเขาเปลี่ยนเป็นการเต้นรำ ความสนิทสนม การเคลื่อนไหวของเม็ดสีที่ปล้นองค์ประกอบที่เป็นรูปเป็นร่าง ในการทำเช่นนั้น เขาเผยให้เห็นพลังของความเข้มของภาพในแง่มินิมัลลิสต์แต่ทรงพลัง
Bhavsar ที่เกิดในอินเดียย้ายไปนิวยอร์กซิตี้ในปี 1962 ในช่วงเวลาที่ศิลปินอาศัยอยู่ในละแวกเดียวกันกับแกลเลอรี่ และสภาพแวดล้อม SoHo ก็มีโปรไฟล์ที่คุ้นเคยเช่น Mark Rothko และ Barnett Newman เป็นนามธรรมที่ Bhavsar จดจำสีของสิ่งทอและสีย้อมของอินเดียและผงของเทศกาล Holi สีเป็นที่หลบภัยของความทรงจำที่แปรปรวน การเลี้ยวเบนของจิตใจ และศักยภาพในการปลดปล่อยของมัน
Bhavsar นำเสนอผลงานสามชิ้นที่รวบรวมความตึงเครียดในการสำรวจจิตใจและค้นหาสถานที่ในโลก ความเป็นคู่นี้แสดงให้เห็นเป็นการสำรวจสีที่เย็นถึงอบอุ่นอย่างค่อยเป็นค่อยไป ซึ่งส่วนใหญ่ประกอบด้วยแกนเม็ดสีที่หนาแน่น เช่น วาซู II (1997) และ วาซู III (1997). การกระเด็น พัฟ และรอยเปื้อนเหล่านี้เป็นช่องทางส่งผ่านเขตแดนของอวกาศรอบนอกที่ไม่สามารถวัดได้ ซึ่งเป็นระดับที่อ่อนตัวได้ซึ่งยังส่งผลต่อรูปแบบโมเลกุลอีกด้วย ไม่ว่าจะใหญ่โตหรือเล็กอย่างไม่ลดละ จิตใจของเราก็ล่องลอยไปตามการเลี้ยวเบนและการปฏิเสธต่างๆ ที่เม็ดสีเหล่านี้เพิ่มพูนขึ้น
จากสีที่อิ่มตัวอย่างเข้มข้น ภาพวาดเช่น มัญจารี 2 (1996) และ เวอร์ก้า (พ.ศ. 2516-2547) ให้สีที่อ่อนลงและไม่มีตัวตน กับพวกเขา เราหยุดชั่วคราวและเวลาค่อยๆ GAT III (พ.ศ. 2544) มีความรกและมีปัญหามากขึ้น โดยมีสีเทาทำให้โทนสีเหลืองดูจืดชืด
ภาวสารมักจะทาสีเป็นช่วงๆ หรือเป็นรอบ สลับกันระหว่างสีน้ำเงินกับสีแดง และสีม่วง และอื่นๆ ไม่มีสีใดที่เขาไม่ได้เข้าใกล้ในอาชีพการงานกว่า 50 ปีของเขา ผลงานล่าสุดเช่น ภัทรา III (2005) และ ANDHARE (พ.ศ. 2548) ใช้ฝีมือปราณีตในการแกะสลักลายสวยงามและรายละเอียดที่สนทนากับ นิสิบิดี ของเอกปุก หรือ ราชิด โคไรจิ' ตัวอักษรลึกลับของ
ดอนวิลเลียมส์เกี่ยวข้องกับแฮงค์วิลเลียมส์หรือไม่?
เป็นการยากที่จะสื่อถึงอารมณ์ทางประสาทสัมผัสที่ภาพวาดเหล่านี้กระตุ้นด้วยคำพูด Bhavsar เป็นนักมายากลส่วนหนึ่ง นักดนตรีส่วนหนึ่ง และพรสวรรค์ที่ช่ำชองที่ซึมซาบผ่านงานของเขาด้วยความเรียบง่ายที่เห็นได้ชัด ที่ซึ่งเอกปุกสื่อถึงความรักและความรุนแรงทางอวัยวะภายใน แสงที่กระจัดกระจายของ Bhavsar ดูเหมือนจะให้อภัยมากขึ้น แต่ก็ไม่ลึกซึ้ง
Bhavsar เข้าใจความมืดและเงาว่าเป็นตัวแปรและคู่สนทนาที่จำเป็นต่อสหายที่เป็นแท่งปริซึม ซึ่งเป็นอัตวิสัยที่เหมาะสมกับการวาดภาพให้เป็นมากกว่าวัตถุหรือสื่อ Bhavsar แสดงถึงการละเลยและคารวะ ควันชั่วขณะ และการสะกดรอยตามระดับความสูงของมนุษย์ในรูปแบบอินทรีย์มากกว่าการเคลื่อนไหวของ Light and Space ในทศวรรษที่ 1960 ของชายฝั่งตะวันตก ซึ่งได้รับการฟื้นฟูผ่านการแสดงล่าสุด เช่น “ Color Out of Darkness” ดูแลโดย James Turrell ที่ Pace ฤดูใบไม้ผลิที่ผ่านมา ในขณะที่ผลงานของเขาเป็นส่วนหนึ่งของ an ตัวเลขที่น่าประทับใจ ของคอลเลกชันของสถาบันและเอกชน ผลงานของเขาในการแสดงออกทางนามธรรมร่วมสมัยมักจะถูกประเมินค่าต่ำเกินไป
“สีครอบงำฉัน ฉันไม่ต้องไล่ตามมัน มันจะติดตามฉันตลอดไป ฉันรู้” Paul Klee เขียนไว้ในไดอารี่ของเขา ระหว่างการเดินทางไปตูนิเซียสองสัปดาห์อันน่าจดจำกับศิลปิน August Macke และ Louis Moilliet ในปี 1914 “สีกับฉันเป็นหนึ่งเดียว ฉันเป็นจิตรกร” Klee จะเพิ่มในวันเดียวกันนั้น
สิ่งต่างๆ รอบตัวยังคงเข้าใจยาก ไม่มีสาระสำคัญ และศักดิ์สิทธิ์ ความส่องสว่างเป็นออร่า พลังงาน สิ่งเร้าที่เสพติด และชีวิตที่บริสุทธิ์ ทั้งในการแสดงของเอกปุกและภาวสารที่อุทิศให้กับการกระจัดกระจายและความรู้สึก เราเห็นเป็นสีสันของหัวใจที่เต้นรัว ความฝันที่คงอยู่ ภาพที่ตามมา และเสียงที่ไม่เปลี่ยนแปลงของที่อื่นๆ
ติดตาม สู่จดหมายข่าวศิลปะของผู้สังเกตการณ์
